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Afectos y visibilidades comparadas entre Chile y Brasil
Entre Chile y Brasil existiría una distancia inconmensurable. No solo la lejanía idiomática, sino la heterogeneidad cultural y geopolítica –la singular construcción histórica o la relanzada lucha contra el colonialismo de forma dispar– parecieran instalar una distancia tan marcada como la existente entre la selva y el desierto o entre la cordillera de los Andes y el río Amazonas. Por ello, comparar afectos e imágenes en los imaginarios artísticos de Chile y Brasil implica atreverse a trazar conexiones y vínculos inusitados, romper con los prejuicios epistemológicos de la contigüidad y la semejanza, para activar la potencia de la imaginación –esa «loca» facultad puesta fuera de juego por el racionalismo moderno– y así intentar leer las huellas y gestos de un horizonte compartido. Este libro colectivo ensamblado por un equipo brachileno deriva por las escenas del teatro, el montaje cinematográfico y la literatura marginal de Chile y Brasil con la sola ambición de tender puentes entre ambos países y comprender sus anhelos y miserias, pero sobre todo para proyectar un porvenir común, conservando distancias y diferencias, la cercana lejanía del otro.
PP 322
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Archivo Imperfecto
Archivo imperfecto es un proyecto colaborativo de creación fotográfica y teórico-crítica que reúne 92 fotografías (la mayoría inéditas) de Paz Errázuriz del período de la dictadura junto a un ensayo escrito por Ángeles Donoso Macaya. El libro da a conocer y contextualiza un corpus significativo para la historiografía del campo en expansión de la fotografía a nivel local y aporta, desde una lente feminista, a la reflexión sobre la memoria visual y fotográfica del período de la dictadura en Chile.
El carácter situado de las fotos invita a la escritora a reflexionar sobre el lugar de Paz Errázuriz en el campo cultural. El texto, haciendo eco de lo que ya han dicho varias pensadoras y escritoras feministas, intenta desmantelar el substrato patriarcal que subyace al concepto de “fotógrafo autor” y la narrativa heroica que suele emplazar a fotógrafos (hombres) en el centro de la acción (marchas, concentraciones, etc.) para explorar, desde una perspectiva feminista, el campo fotográfico del período de la dictadura. Archivo imperfecto pone especial énfasis en el activismo realizado por grupos de mujeres y feministas, así como en la pregunta sobre las diferentes experiencias y formas de vida de las mujeres que vivieron durante esta época.
PP 184
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Escenas de proyección. Reenvíos del sujeto iluminista
Escenas de proyección toma los instrumentos proyectivos de la revolución científica –desde el telescopio de proyección y la cámara oscura, hasta la luz solar y el microscopio– para demostrar que la escena es un complejo dispositivo de poder que produce su propio sujeto. En la medida que saca al yo de su vulnerabilidad e instala la fantasía de una visión de un sujeto racional e inmanente respecto de todas las figuras minoritarias, raciales, queer, feminizadas, perpetúa una estructura de dominación.
A lo largo de este libro, Jill H. Casid nos lleva desde los orígenes míticos de la representación hasta instancias ejemplares del arte contemporáneo, con el objetivo de explorar el potencial de transformación de las tecnologías de proyección e invertir su dirección en virtud de posiciones no normativas. Es decir, traza conexiones reprimidas entre elementos de la escena y elementos que cruzan de una escena a otra, para así abrirla y reinventar el sujeto, inaugurar devenires, liberar el potencial del por qué-no, del no no-aquí y del no no-todavía.
PP 308
2022
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Escribir después de morir. El archivo y el más allá
Todo archivo es un dispositivo póstumo. Su activación se perpetra con independencia de la vida de su autor. Archivar es un poco morir, pese a quien se archive continúe viviendo. Este libro indaga en una dirección contraria. Sostiene la idea de que el archivo excede su condición funeraria y en él se producen formas de vida y permutaciones somáticas capaces de desafiar la tajante división entre vivir y morir, inclinadas a emancipar la coincidencia entre el fin material del autor y el cese de su escritura. Escribir después de morir se aproxima a las ingeniosas maneras con las que el cuerpo autoral escribe luego de perecer. Javier Guerrero propone que, gracias a la capacidad erótica de nuestras manos y cuerpos, los archivos de Delmira Agustini, Severo Sarduy, Reinaldo Arenas o Pedro Lemebel, entre otros, devienen exceso capaz de discutir y, en ocasiones, destituir la desaparición del cuerpo que escribe. Se trata de un lugar sin límites cuya metamorfosis se gesta en el contacto material con la aparente quietud de los papeles.
PP 369
2022
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La convulsión coliza. Yeguas del Apocalipsis (1987-1997)
Este libro de Fernanda Carvajal posee un decisivo valor inaugural al ser el primer estudio dedicado al legendario trabajo de las Yeguas del Apocalipsis cuyo corpus estético-político y cultural aparece aquí enteramente recreado y, como tal, es un libro que merece ser destacado por su aporte disciplinar al campo de especialización crítica de las escrituras sobre arte en Chile.
Nelly Richard
El frágil ardor del desacato de las Yeguas del Apocalipsis humea en esta escritura imantada con el hálito infecto del subsuelo, y más que el fuego victorioso, es una brasa que mantiene vivo el arrojo ígneo de la desobediencia cuando el exterminio nos sigue asediando.
val flores
PP 296
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Pequeña ecología. Comunidad, performance & instalación SoHo, N.Y., 1970s
¿Cuáles son las condiciones para que existiera la escena artística del SoHo en los setenta? Es la pregunta en la que se ahonda en este libro. Se sumerge en una comunidad de artistas, y en cómo el espacio creativo interdisciplinar reforzaba experimentos que iban más allá de galerías y teatros, para tomarse calles, edificios abandonados, parques, las copas de los árboles y subterráneos.
Este libro rescata voces e historias recogidas a través de lecturas atentas, revisión de archivos, pero fundamentalmente de conversaciones con Carmen Beuchat, Barbara Dilley, Richard Nonas, Rachel Wood y Carol Goodden, personas cuyas prácticas fueron determinantes y determinadas por el ecosistema creativo del SoHo de los años setenta. Aparecen así nuevas versiones de la historia; voces en su mayoría de mujeres, dejaron ver una serie de borraduras históricas que hoy en día, con distancia y mayor conciencia de las problemáticas de género, podemos identificar.
PP 103
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Revistas de artista. Reflexiones desde su legado documental
Este libro se puede leer en dos capas: la primera cuenta la historia de los orígenes y de-sarrollo de las publicaciones de artista, con un foco en revistas editadas por escritores y artistas latinoamericanos durante la segunda mitad del siglo XX. La segunda, que será más bien un telón de fondo a lo largo del libro, contiene ciertas reflexiones trazadas bajo el gran marco de los estudios de la memoria cultural, en torno al legado documental e histórico que han significado las publicaciones de artista. Las revistas dan cuenta de una estructura o funcionamiento que abre su propio tiempo, develando así, desde el presente, un espíritu colectivo atemporal y latente. De tal manera, este libro aporta a la discusión y reflexión actual en torno a la memoria y a su representación en el arte, particularmente a partir de la idea de las revistas de artista como fuentes documentales para otras historiografías.
PP 220
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Sostener el techo. Experiencias sobre arte y maternidad
Este libro forma parte del proyecto Leaking women: mujeres que sostienen el techo, el cual explora cruces entre maternidad, investigación y práctica artística. Las distintas autoras indagan en la experiencia de cuidar y criar niñas y niños como motor de un ejercicio de autoafirmación desde el cual explorar la tensión entre el habitus incorporado por la vida social (el deber-ser de las madres) y la indisciplina propia de nuestra naturaleza animal (los caminos inesperados que toman las artis-tas). Sus escrituras examinan la maternidad como una actividad que no es fortuita, sino un ejercicio que requiere aprender ciertas reglas de subsistencia, invertir en el manejo y la disciplina corporal, contener la violencia, desplegar la intuición y exponerse al riesgo. Los textos del libro han sido concebidos como exploraciones poéticas, composiciones en colaboración y ensayos. Desde sus propias particularidades sostienen que sin el cuidado de unas corporalidades por otras no es posible producir arte o conocimiento, practicar la igualdad o construir lugares para la emancipación.
PP 100
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Turungo. Diálogo y Archivo
A modo de díptico, Turungo propone una indagación analítica y documental en torno al trabajo artístico de Gonzalo Díaz, que comprende materiales de trabajo, producción, registros del proceso creativo de cinco obras emblemáticas del artista chileno. Así, este libro abre con una conversación entre Gonzalo y el filósofo Federico Galende con el objetivo no solo de ahondar en los detalles acerca de cómo se concibe el trabajo del arte y cómo se concreta la especificidad en la obra de Gonzalo, sino también en la puesta en diálogo de distintos elementos de análisis que permiten contextualizar su obra en los debates teóricos actuales en torno a la historia de Chile en general, atendiendo con especial énfasis en los alcances políticos y artísticos de su obra. Desde esta reflexión en conjunto, Turungo aporta una perspectiva para inmiscuirse en el profuso trabajo de archivo de, entre otros, Lonquén, Fotoperformance y Unidos en la Gloria y en la Muerte a partir de una selección diversa de documentos que versan sobre la singularidad no solo del trabajo creativo de Gonzalo Díaz, sino también de cómo se concreta la siempre compleja relación entre el arte y la política.
PP 166
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Una línea marca el horizonte. Fotografía contemporánea del paisaje en Chile
¿Qué puede decirnos la fotografía contemporánea chilena de nuestra relación con el paisaje? Y ¿qué hacemos ahora con las imágenes que han contado históricamente esa relación? Rosario Montero propuso estas y otras preguntas a un grupo de personas dedicadas a la investigación y la creación del campo de la fotografía chilena, reuniendo así respuestas que, a partir de experiencias subjetivas y como en una conversación, trajeron casos y reflexiones diversas, nuevas preguntas y algunas certezas. Entre estas, se reconoce el uso de fotografías de naturaleza como soportes a los que se fijan sentidos de nación e identidad que luego determinan nuestra relación con los territorios. Se reconoce también el poder de apropiación que tiene la imagen fotográfica que, imbricado a valores neocoloniales y patriarcales, ha determinado los modos con que se construyeron los paisajes fotográficos de Chile.
Una línea marca el horizonte es un libro de teoría sobre la fotografía escrito desde una mirada situada, consciente de su alcance y abierta al diálogo. Es también un ensayo fotográfico y un repaso por lecturas fundamentales del pensamiento decolonial en relación al arte y la naturaleza.
PP 160
2022
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El arte como revolución. Debates, redes y actualidad del Instituto de Arte Latinoamericano
En consideración a los sesgos en la historia del arte, El arte como revolución recupera la historia del Instituto de Arte Latinoamericano, sus actividades, debates artísticos y culturales, y las redes de influencia que tuvo en el concierto latinoamericano. Este instituto, que surgió de las reformas de la Universidad de Chile a fines de la década de los sesenta y que se fortaleció con la llegada a la presidencia de la república de Salvador Allende, se presenta como un espacio dinámico de relaciones sociales donde es inextricable el arte y la vida social bajo el marco de un proyecto revolucionario: no obras-mercancías, premios nacionales ni obras autorales, sino investigaciones y formas de trabajo compartidas cuyas huellas remiten a un vínculo intelectual, colaborativo y de amistad. Desde esta ética de trabajo, la invitación de este libro es a pensar cómo fue concebida la justicia social por medio del arte y en qué medida toca nuestra contemporaneidad.
PP 169
2022
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RUINAS
En los dibujos de Javier Rodríguez es perceptible una doble energía: por un lado, está la energía del dibujante, que viaja hasta el papel en el acto de dibujar y deja sus propias huellas, sus propios rastros. Pero a la vez, y esto es lo más relevante, lo trascendental de su producción, en sus dibujos está la energía del animal, es decir, la energía de todas aquellas personas que resisten con sus cuerpos a la violencia política que se ejerce tanto en dictadura como en la posdictadura: la energía de los encapuchados que comparten los pasillos de la universidad con el artista y el profesor, que comparten el viento de la cordillera que corre por la ciudad; la energía del Gran Puma, a la que el personaje de Javier Rodríguez todavía busca en Ruinas; la energía del jaguar que irrumpe por debajo de las cumbres nevadas en una de las 38 xilografías que componen esta última obra. Creo que aquí, digo, está la clave de la obra de Javier Rodríguez. Diría que esta es la huella fundamental de su trabajo, el rastro de vida más brillante. Porque aquí resplandece, sí, como “pedazos desunidos y dispersos”, como “ruinas”, el recuerdo del “Chile de hombres y mujeres buenas” en el que todavía cree.
PP: 83
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Del cuerpo al archivo. Foto, video y libro-performance en Chile (1973-1990)
En un ejercicio de recuperación de prácticas performáticas chilenas, Sebastián Valenzuela-Valdivia nos invita a reconsiderar los criterios curatoriales y archivísticos para definir nuevas categorías de análisis atingentes a la experimentación del cuerpo y el uso de medios como la fotografía, el video y el libro-perfomance. Así, Del cuerpo al archivo contribuye a cómo pensar esta experimentación en el marco de la historicidad y la potencia comunicativa en torno a la disidencia sexual, el travestismo y la identidad, cuestión que no solo atiende limitaciones institucionales y la compleja atmósfera política entre 1973 y 1990, sino también a las condiciones de su sobrevida en exposiciones y acervos documentales. En último término, este libro es un aporte para reformular la pregunta por cómo se han desarrollado las prácticas performáticas en Chile a partir de sus archivos.
PP 238
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Murales no albergados. Museo a Cielo Abierto de Valparaíso
Indagar en la historia del Museo a Cielo Abierto de Valparaíso como fenómeno museográfico inaudito implica necesariamente deambular por las calles y cerros para detenerse en sus muros: como intervenciones realizadas colectivamente y fuera de los circuitos artísticos e institucionales, nos invita a preguntarnos cómo fueron posibles y qué lugar o no lugar habrían de tener en el campo del arte.
Magdalena Dardel nos propone, así, una constelación que interrelaciona desde los fundamentos de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Valparaíso, la espacialidad de la ciudad, hasta los objetivos y propuestas de los artistas que formaron parte del Museo a Cielo Abierto –sin soslayar el contexto posdictatorial–, y que encuadran este proyecto en un lugar intersticial entre la moderna pintura abstracta y las contemporáneas prácticas colaborativas, participativas y comunitarias. A la luz de ello, el museo es una propuesta radical a nivel global que contribuye a problematizar lo que se ha entendido por el trabajo del arte y cómo este último obra en el mundo.
PP 176
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Una cartografía extraña. Producciones narrativas entre la migración y el arte
Este libro es una cartografía de la experiencia del desplazamiento físico incluyendo miradas descentradas y deslocalizadas en torno a Chile por parte de artistas, curadoras y creadoras chilenas residentes, o que habrían residido, en el extranjero. Estas narrativas desbordan la práctica artística, se indaga en un tipo de materialidad sensible y social a la vez, que no tiene por fin el análisis de la producción cultural sino las elaboraciones emocionales de la historia y de la política desde la singularidad que tiene toda posición histórica de una persona. El libro incluye relatos de Cecilia Barriga · Carla Bobadilla · Ángeles Donoso – Ingrid Wildi Merino · Constanza Piña · Claudia del Fierro – Paula Cobo · Alejandra Pérez · Katia Sepúlveda – Fernanda Carvajal · Valentina Montero · Marisa Cornejo – Julia Antivilo · Francisca Benítez y Camila Marambio.
pp 256
2021
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Luces Parpadeantes. Violencia y emblemas institucionales en la obra de Claudio Correa
Este libro sobre la obra de Claudio Correa nos permite, como bien señala Beatriz Bustos, observar nuestra propia relación con el poder y la jerarquía en el presente. Nos incita, tal como él hace a través del arte, a revertir órdenes preexistentes.
Claudio Correa encara con temeridad situaciones cuya extrema complicación las hace, en general, ser evitadas o, al menos, ser encaradas mediante merodeos cautelosos y sesgados.
Ticio Escobar
Correa reactiva un archivo, entendiéndolo en vez de cerrado, concluso, inequívoco y tabú; como abierto, dinámico, complejo, y de relaciones simbólicas e históricas a ser cuestionadas.
Cecilia Fajardo-Hill
Gran parte de la práctica artística de Correa promueve un análisis crítico de ciertos elementos de la cultura material, en especial de aquellos relacionados con la representación simbólica del poder y la ideología política.
Alexandra Laudo [Heroínas de la Cultura]
pp 112
2021
Ediciones Metales Pesados
Madrid 1998, Santiago Centro, RM, Chile
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